Ik ben Pierre Vanstipelen, en gebruik soms ook wel de schuilnaam Priet.
Ik ben een man en woon in Bilzen (België) en mijn beroep is Gepensioneerd.
Ik ben geboren op 11/02/1951 en ben nu dus 73 jaar jong.
Mijn hobby's zijn: Schilderen en Tuinieren.
In tekenen en schilderen kan ik mijn passie voor al het mooie kwijt. Mijn kleinkinderen Pieter en Lena zijn mijn oogappels. Tevens ben ik voorzitter van de Kunstkring Alkanna. Mijn specialisatie inzake schilderen is portret, dierenportret & architectuur
Genieten en laten genieten van Kunst Mensen laten genieten van Kunst en iets mogen meegeven over mezelf, mijn hobby en mijn passie is het mooiste dat er bestaat.
14-11-2008
Mixed-Media: Platen schuurtje met Pannendak in Kotem: Fase 2 deel 1:
Vandaag enkele woorden over het aanpassen van dit schilderij zoals afgesproken in het vorige stukje. Je kan er niet aan ontkomen in het geval van een figuratieve schilder en zeker van een realistische aquarelschilder dat je alles wat je op papier wilt zetten vooraf in je hoofd dient te ontleden. En dan kan het, welliswaar bij uitzondering nog overkomen, dat je dingen over het hoofd ziet. Als dit in praktijk kleine missers of niet goed doordachte dingen zijn, kan je die gemakkelijk of beter gezegd met een goede materialen kennis oplossen. Maar in dit geval was het niet zo evident. Toch heb ik er een oplossing voor gevonden. Het probleem wat zich stelde kan je op de voorgaande foto nog zeer goed zien als je het onderwerp ter plaatse kent. Natuurlijk zijn er maar weining personen die dit onderwerp als een schuur in Kotem kennen, maar natuurlijk ben ik degene die deze stal of schuurtje kent en geschildert heeft. Wanneer je nu naar het onderwerp kijkt dan zie je dat dit schuurtje niet al te hoog is. Zeker als je het bekijkt, zo frontaal gelijk ik het geschildert heb. Ik wilde alles een beetje verhogen maar ik had geen papier meer om op verder te werken want ik had alles proberen te vatten op een te klein papier. Eigenlijk is dit een enorme beginnersfout, die bij een meer ervaren schilder niet mag voorvallen. maar goed het is toch gebeurt en hoe heb ik het aangepakt om het schilderij te verbeteren. Als je op de foto kijkt dan zie je dat ik het vrij eenvoudig opgelost heb. Omdat een aquarel meestal een passepartout heeft, om als je het werk inlijst, dit werk niet tegen het glas te laten komen, heb ik hier van de nood een deugd gemaakt en ben ik aan de onderkant op het passepartout gaan schilderen. Natuurlijk is dit niet zo evident maar ik had nogal gezien dat er schilderijen in de handel waren die verder liepen op de passepartout. dus heb ik dat ook gedaan en ik moet zeggen als ik het nu bekijk met een tamelijk goed resultaat. Natuurlijk is mijn waardemeter in dit geval in de eerste plaats de realistische weergave van het schuurtje, maar ook het schilderen op de passepartout vormde een uitdaging. En als ik alles bekijk geeft het resultaat nu een meer bevredigender oplossing dan het werkstuk voorheen gaf. Alleen kwam er nu een nieuw probleem naar voren. Wat dit probleem dan wel was zou ik graag eens vernemen van de goede waarnemer en lezer van mijn stukjes en ik weet dat er die zijn. Hij of zij die het denkt te weten mag mij een mailtje sturen en misschien hang ik er wel een prijsje aan voor degene die het juist weet te zeggen want het is binnenkort toch Sinterklaas en je weet maar nooit wat die man in petto heeft.
Mixed-Media: Platenschuurtje met pannendak Kotem: fase1 deel3
Vandaag weer enkele woorden over dit schilderij. Zoals ik de vorige keer geschreven heb is dit schilderij een toepassing van verschillende mediums op één drager. Op de bijgaande foto kan je duidelijk onderscheid maken waar ik met de kaars het papier afgedekt heb. Je ziet ook heel duidelijk dat deze manier van afdekken niet alleen de kleur tegen houdt maar ook een mooie aanvulling van wit geeft in het schilderij. De letters die op de platen wand zijn gekalkt zijn goed te onderscheiden maar tevens zijn ze niet zo wit dat je zou denken dat ze nu pas geschilderd zijn. Neen de bedoeling was om alles een verweerd uitzicht te geven en dat lijkt mij althans vrij goed gelukt. Ik heb ook nog wat met pastel gewerkt op een paar plaatsen om alles nog enigzins geloofwaardiger te maken. Om het schilderij af te werken heb ik er een ivoor witter paspartout rond gezet en ik vind nu dat het schilderij te klein gemaakt is. Ik vind dat de platen zijkant te klein uitvalt. Na een tijdje zoeken om een oplossing te vinden heb ik besloten om deze zijkant te verlengen. Maar hier stuitte ik op een moeiljkheid die ik eigenlijk zelf veroorzaakt had. Ik heb namelijk het papier te klein genomen of het schilderij te groot gemaakt het is maar zoals je het bekijkt. Meestal ben ik niet karig met het papier maar hier is dat om de één of andere reden misgelopen. het zet me dan ook aan om dit zeker niet meer te doen en er altijd op te letten dat ik het papier groot genoeg neem. Hoe ik toch een oplossing gevonden heb voor dit probleem wil ik een de volgende en tegelijkertijd ook de laatste bespreking van dit werkje uitleggen.
Mixed-Media:Platenschuurtje met Pannendak te Kotem: Fase 1/deel2
Vandaag ga ik nog wat meer uitleg geven over dit schilderijtje. Ik spreek over een schilderijtje omdat het niet zo heel groot van afmeting is. Het eindresultaat is 60x50 cm en dat is een heel mooi formaat om ergens op te hangen. Je kan duidelijk op de foto zien dat ik een heel stuk verder ben gevorderd met dit werkje dan in de vorige fase. Normaal zou ik nog een tussenfase kunnen bespreken maar gezien ik al een tijdje niets meer geschreven heb ga ik verder op deze stand van zaken. Als je even teruggaat naar de vorige foto dan kan je zien dat ik dit schilderij opgezet heb met aquarel. Waarom aquarel? Wel ik ben nu al een tijdje bezig om te proberen een nieuwe stijl en zeker een nieuwe manier van schilderen uit te proberen. Dat wil zeggen dat ik door met, deze mixed-media te werken me niet absoluut hou aan een medium. Indien het nodig is of indien ik het nodig vind, dan gebruik ik nog verschillende andere mediums om tot een goed eindresultaat te komen. Meestal begin ik nu met een aquarel te maken zuiver en alleen omdat ik dat het meest pure schildersmedium vind. Met aquarel moet je alle zintuigen gebruiken om tot een goede opzet te komen en nog meer aandacht schenken aan hetgeen je wil doen en wil bereiken dan bij de andere schildersmediums. Dus je zal gaan merken dat ik practisch altijd zal starten met een aquarel en dat ik naarmate het schilderij vordert soms zal overgaan naar andere mediums. Op dit moment zie je dus dat ik met aquarel de eerste opzet van het schuurtje verder uitgewerkt heb. Als je kijkt naar de witte letters die op de platen zijkant van het schuurtje staan dan heb ik hiervoor toch weer een speciale manier gebruikt om deze letters weer te geven. Ik heb namelijk met een witte kaars de letters op het papier getekend. Je zal zeggen waarom met een witte kaars? Wel ik wilde deze letters uitsparen op deze wand en dan kan je twee dingen doen ofwel om de letters heen schilderen of deze letters afdekken met een afdekvloeistof. Als ik één van deze twee manieren gebruikt zou hebben dan kreeg je heel witte letters (het wit van het papier) en heel sterk afgelijnde letters op het papier te zien. En dat wilde ik nu net niet. Neen deze letters moesten wel een zekere witte kleur hebben (want ze zijn in werklijkheid aangebracht met witte kalk) maar die kleur is niet meer helder wit doordat ze aan regen en wind zijn bloot gesteld. Wanneer ik nu deze letters met een kaars schrijf en het papier afdek met het kaarsenvet dan heb ik op die plaats ervoor gezorgd dat er geen waterverf (aquarel) in het papier kan dringen. Het is namelijk zo dat het kaarsenvet de aquarelverf afstoot en doordat ik de letters met een kaars teken zijn die ook niet heel recht en duidelijk afgelijnd en het is net dat, wat ik wilde hebben. Tegelijkertijd ben ik met dezelfde kaars over het papier gaan wrijven daar waar de ribbels van de platen moesten komen waardoor ook daar een gedeelte van kaarsvet is blijven zitten en je heel gemakkelijk de platen een verweerde structuur kan geven. Je kan nu duidelijk constateren, dat je door na te denken en goed te overwegen wat de eigenschappen van bepaalde ingrepen zijn je een duidelijke meerwaarde aan je werk kan geven zonder daar al te ingewikkelde handelingen te moeten voor uitvoeren. In dit geval kan ik het vet van de kaars zeer goed gebruiken om aan het schilderij een meerwaarde te geven en dan moet je dat gebruiken denk ik dan weer. Ook op een aantal pannen aan de linkerkant heb ik lichtjes met de kaars over het papier gewreven waardoor je die verweerde textuur veel gemakkelijker kunt weergeven. Tot slot wil ik even de aandacht vestigen op het feit dat ik op een paar plaatsen met zeer donkere verf gewerkt heb. Door dit te doen krijg je natuurlijk een zeer grote dieptewerking in je schilderij. Want op die plaatsen ga je weinig licht laten vallen en dat doet dat gedeelte met die donkere kleur naar achteren verdwijnen; Bij de volgende bespreking ga ik nog iets meer vertellen over de kleuren die ik gebruikt heb en ook nog een tipje van de sluier oplichten waarom ik het schilderij iets groter gemaakt heb.
Mixed-Media: Platenschuurtje met Pannendak te Kotem: Fase 1/Opzet van tekening
In het kader van het project "Kunstenaars zien het Maasland" heb ik nog een aantal andere schilderijen gemaakt. Het werk dat ik vanaf vandaag wil bespreken is een schuurtje of stalletje dat ik vond in de omgeving van Rekem. Het is namelijk zo dat Kotem een deelgemeente van Maasmechelen is en een buurgemeente van Rekem. Vermits wij de omgeving van Rekem als uitvalsbasis hadden gekozen om onze schilderijen te maken van het Maas landschap vond ik dit een heel mooi plaatje. Het stalletje was een zeer onopvallend stulpje, dat diende als zomerverblijfplaats voor de koeien in de desbetreffende wei. Zij konden daar gaan schuilen voor de regen en ander guur weer denk ik dan maar. Natuurlijk is dit schilderij weer zo gemaakt dat het een mooi beeld geeft van de eigenaardigheden of eenvoudige hulpmiddelen die je in de streek gaat aan treffen. Het meest opvallende waren voor mij de dakpannen. Het waren nog van die grote Maaslandse schotels waar vroeger de huizen en schuren mee bedekt waren. Ik ken nog boerderijen in onze streek die er de zijkanten van het dak (de spitsen zoals wij ze noemden) van de schuren mee dicht maakte. Maar goed ik ga proberen weer een overzicht te geven hoe dit schilderij tot stand is gekomen. Ik ben dus weer begonnen met een goede tekening te maken. Je weet wel dat mijn gezegde over het maken van een tekening is dat "goed begonnnen half gewonnen is". En ook hier is dat dan weer van toepassing. Op de foto zie je dan ook dat het schuurtje helemaal opgetekend is op een aquarelpapier van middelmatige structuur. Je kan je misschien afvragen waarom ik de laatste tijd steeds opnieuw begin met te tekenen op aquarelpapier. Wel de reden hiervoor is weer even eenvoudig als doeltreffend, het is namelijk zo dat je met aquarelpapier praktisch alle kanten uitkan. Het is sterk, je kan er met natte technieken maar ook met droge technieken op werken. Dit wil zeggen dat je op dit papier zowel aquarel als acryl en gouache maar ook pastel, potlood, en pen kunt gebruiken. Het is daarom ook dat de werken die ik de laatste tijd maak de naam krijgen Mixed-Media. Met andere woorden het kunstwerk is tot stand gekomen door een mix van de verschillende media te gebruiken. De volgende bespreking zal handelen over de eerste opzet in kleur en met welk medium dat ik dat gedaan heb.
Mixed-Media: Zicht op het kasteel vanuit het Poortgebouw: Eindresultaat.
Zoals ik al gezegd heb in mijn vorig stukje over dit schilderij, wil ik met mijn uitleg en met dit werk laten zien, dat je als realistisch schilder wel degelijk een meerwaarde kunt geven aan een onderwerp. Met schilderen kan je alles weergeven zoals je het zelf ziet als kunstenaar, terwijl je met een foto alleen de naakte toestand gaat weergeven. En ik wil de waarde van een foto zeker niet verminderen want zij kan zeer nuttig zijn in bepaalde gevallen, maar als je iets gaat realistisch schilderen dan kan je er een nieuwe dimensie aan toe voegen. Je kan als het ware het onderwerp iets romantischer gaan benaderen en daardoor een eigen interpretatie aan het onderwerp geven maar die interpretatie zal het onderwerp nog steeds herkenbaar doen overkomen. Ik zou zeggen er is al genoeg grauwheid en eentonigheid in het leven. Wat je nu op het afgewerkte schilderij kan zien is, dat ik een duidelijke kijk heb proberen weer te geven op het onderwerp, maar ook, heb ik getracht om je een impressie te geven hoe je het onderwerp voor je ziet als je het domein binnen komt langs het Poorthuis. Wat mij enorm opviel toen ik aan het schilderen was ter plaatse is dat er weinig mensen zijn die een onderwerp zien zoals een kunstenaar het ziet. Toen ik alles, wat ik had geschilderd, zijn uiteindelijke vorm benaderde en het eindresultaat in zicht kwam, hoorde ik verschillende malen zeggen achter mij door mensen die over mijn schouders meekeken naar het werkstuk "dat heb ik niet gezien" of"inderdaad als je goed kijkt dan is dat venster kleiner" of " ja daar is de muur inderdaad donkerder". En je mag van mij aannemen dat het fijn is als er zulke uitspraken gedaan worden want op dat ogenblik besef je dat die toeschouwers met andere ogen het onderwerp benaderen. Je kan op de bijgeplaatste foto duidelijk zien, dat door de bakstenen op de voorgrond op deze wijze af te beelden, je een zeer goed beeld krijgt van de verschillende onderdelen van het schilderij. Door alles wat kort bij je is gedetaïlleerd weer te geven, haal je dat gedeelte van het onderwerp naar de kijker toe. En door dan ook op de juiste plaats alles iets minder te gaan uitwerken, laat je dat gedeelte ook iets verder van de toeschouwer af staan. Natuurlijk is dat een punt van ervaring en weten wat je wil, maar dat kan iedereen leren. Voor de ene zal dat wat sneller gaan dan voor de andere, en nog een andere zal het wat sneller onder de knie hebben maar uiteindelijk zal iedereen leren uit zijn mislukkingen en dat is het voornaamste. Want ik heb altijd onthouden wat mijn grootvader mij vroeger heeft voorgehouden "ervaring is niets anders dan leren uit je mislukkingen" waarbij het woord "leren" zeker zo belangrijk is als het woord "mislukkingen". Daarom zeg ik ook altijd dat iedereen tot op een zeker niveau kan tekenen en of schilderen als hij/zij maar bereid is om te kijken en te leren kijken. Ook moet men de wil hebben om vol te houden met het tekenen of schilderen ondanks de vele mislukkingen, met de wetenschap in het achterhoofd, dat we niet altijd even bewust naar een onderwerp kijken. Neen we laten ons maar al te vaak leiden door onze hersenen, en die willen ons wijsmaken dat zij voor elk onderwerp al een bepaalde indruk of model in de maak hebben. En dat model of indruk is iets wat wij ons gevormd hebben gedurende ons leven. Want kijk maar naar de dingen die kinderen tekenen of schilderen, zij geven enkel weer wat ze zien. Natuurlijk hebben zij nog niet de wetenschap wat perspectief en dergelijke dingen zijn. Maar zij benaderen een onderwerp nog zeer simplistisch en onbevangen. En je zal dan ook kunnen konstateren dat zij naarmate zij ouder worden ook minder onbevangen gaan tekenen of schilderen alhoewel dit andersom zou moeten zijn. Maar neen door het ouderworden gaan zij meer en meer symbolen in hun hersenen opslaan en gaan zij, zoals de meesten onder ons, zich laten leiden door die symbolen. De volgende bespreking zal handelen over een schuurtje dat ik geschilderd heb in hetzelfde kader als waarin ik dit schilderij gemaakt heb namelijk "Kunstenaars zien de Maaskant".
Mixed-Media: Zicht op het kasteel vanuit het Poortgebouw: Fase 1/ deel 3
Vandaag wil ik enkele woorden schrijven over de verdere ontwikkeling van dit schilderij. Op de foto kan je duidelijk zien dat ik weer een aantal dingen verder uitgewerkt heb en daardoor gaat het schilderij steeds meer voor zich spreken. In de eerste plaats wil ik er op wijzen dat je nu al duidelijk de dieptewerking in het schilderij kan zien. Door te werken van onder het poortgebouw en dat ook duidelijk aan te geven krijg je op dit moment een aantal lagen in het schilderij. Ik bedoel hiermee dat ik gezorgt heb dat ik een drietal delen in het schilderij heb. Je hebt de voorgrond, dit is waar ik als schilder gezeten heb namelijk onder het Poortgebouw. Je hebt een middenstuk, dat is het weiland en de voorkant van het kasteel. En tenslotte heb je ook nog een heel duidelijke achtergrond. De achtergrond (de achterkant van het kasteel en de bomen) onderscheid zich van de voorgrond niet alleen doordat hij het verst weg is op het schilderij, maar ook door de manier waarop ik hem geschildert heb. Je ziet hier heel duidelijk dat ik de voorgrond zeer gedetaïlleerd ga weergeven. Je kan bij wijze van spreken de verschillende lagen bakstenen gaan tellen. Ik heb dit bewust gedaan om eens heel duidelijk te laten zien dat de manier van iets weer te geven zeer belangrijk kan zijn om dieptewerking in een schilderij te krijgen. Door de bakstenen één voor één te schilderen en het middengedeelte, het kasteel iets minder uit te werken, en de achtergrond tenslotte het minst uit te werken, krijg je werkelijk het gevoel of je terplaatse door de poortopening naar het kasteel kijkt. Vervolgens wordt je blik verder geleid naar de bomen op de achtergrond en tenslotte wordt je blik dan weer naar de voorkant gebracht. Wel dit is een typisch voorbeeld hoe je het menselijk oog kunt leiden en ook een beetje kan bedriegen. Want zeg nu zelf, je moet, willen of niet, een aantal dingen stap voor stap bekijken, je hersenen laten niet toe dat je alles ineens bekijkt. En dit is louter en alleen door goed de verschillende onderdelen van de toestand terplaatse uit te beelden. Mijn volgende bespreking zal het afgewerkte schilderij tonen. Ik doe dit zosnel omdat het niet nodig is om nog andere tussenstappen te bespreken. Je zal zien dat het schilderij een mooi beeld oplevert van de toestand ter plaatse en het zal je laten zien dat het schilderij, de foto die ik als eerste bij deze reeks plaatste, zeker gaat evennaren zoniet gaat overtreffen. En ik zeg dat niet omdat ik mezelf wil ophemelen als schilder, maar ik haal dit aan om aan te tonen dat je als schilder wel degelijk iets kan toevoegen door realistisch te schilderen. foto 020
Vandaag enkele woorden over de verdere afwerking van het schilderij. Op de bijgeplaatste foto kan je duidelijk zien dat ik in de eerste plaats begonnen ben met het schilderen van de achtergrond. Waarom ik dat doe? Wel ik heb in mijn academietijd geleerd dat je best begint met dat deel van je schilderij wat het verst van je verwijderd ligt. Natuurlijk is dat niet altijd even goed mogelijk maar hier vind ik het toch weer geraadzaam om dat te doen. Omdat ik begin met een aquarel moet ik hierbij goed nadenken wat ik wel en wat ik niet mag schilderen. Wat hierbij opvalt is dat ik zowel het kasteel een eerste laag heb gegeven en dat ik daarna ben overgestapt naar de voorgrond. Natuurlijk kan je, je afvragen waarom ik dat gedaan heb. de reden is even eenvoudig als klaar. Ik vond dat de doorgang vanuit het Poorthuis zo zwaar overkwam met dat zwarte plafond dat ik absoluut iets aan de voorgrond wilde doen. Ik dacht namelijk dat ik het geheel verknoeit had met dat zwart. Natuurlijk kon ik niet meer met aquarel over dat zwart werken want daar zie je niets meer van. Ik ben dan met pastel gaan werken en heb de boog die er was iets van kleur en vorm gegeven. Ook dacht ik dat ik door vrij snel aan te geven dat er een poort aan deze doorgang was ik iets meer van duidelijk perspectief en diepte zicht kon aangeven. Als ik het nu bekijk dan moet ik toegeven dat het inderdaad een goede keuze is geweest om zowel aan de achtergrond als aan de voorgrond te werken. Om een goed dieptezicht te krijgen heb ik besloten om de voorgrond zeer gedetaïlleerd uit te werken en de achtergrond verder af te werken met aquarel. ik denk dat dit de juiste keuze is geweest. Tot slot wil ik nu nog even meegeven dat je goed moet nadenken als je aan een werk begint. Want het is niet altijd even gemakkelijk om een aantal dingen aan te passen als die eenmaal geschildert zijn. Als ik nu besloten had om een zuivere aquarel te maken dan was mijn schilderij verloren omdat ik niet meer over die zwarte ondergrond kon schilderen met aquarel. Maar vermits ik er van uit gegaan ben dat ik alle middelen mag aanwenden om tot een goed eindresultaat te komen zie ik nu dat ik er zelfs goed aangedaan heb om het bovenste gedeelte zwart te maken. In mijn volgende bespreking wil ik nog verder ingaan hoe ik de voorgrond van dit schilderij verder uitwerkte.
Mixed-Media: Kasteel van Rekem: Zicht vanuit het Porthuis: fase 1/deel1
Zoals altijd als ik met een schilderij begin maak ik eerst een goede tekening. En natuurlijk is dat nu weer niet anders.Toch is de werkwijze iets anders verlopen als de meeste van mijn schilderijen. Voor dit thema "Kunstenaars zien het Maasland" was het eigenlijk de bedoeling om een aantal schilderijen ter plaatste te maken. Omdat dit een afspraak was vanuit de Federatie hebben wij (leden van Kunstkring Alkanna) ons daar ook aan gehouden. We zijn deze zomer een drietal keren buiten aan de Maaskant gaan schilderen. Omdat ik nogal gedetaïlleerd werk heb ik me gehouden, om een aantal schetsen te maken maar ook heb ik veel rond gelopen om voor onze leden de mooiste plekjes in Rekem en omstreken uit te zoeken. Vandaag wil ik dus de ondertekening even laten zien die ik maakte terplaatse en achteraf in mijn atelier verder heb uitgewerkt. Het soort werk dat ik in mijn hoofd had was een aantal mooie schilderijen te maken van het Maasland. Natuurlijk gaat niet altijd alles zoals je denkt dat het zou moeten gaan. Op de foto zie je dat ik een tekening gemaakt heb van een gedeelte van het kasteel maar je ziet ook dat ik eigenlijk onder de doorgang van het poortgebouw gezeten heb. Meestal kan je niet zo gezellig zitten te schilderen. Maar zoals dat ik daar gezeten heb, want in het poortgebouw zelf is een restaurant en je kan je wel indenken dat ik aan kijkers geen gebrek heb gehad. Het fijne aan op locatie werken is dat allemaal die kijkers toch wel iets menen te moeten zeggen over datgene waar je mee bezig bent. En dan krijg je van die vragen zoals: wat zijt u aan het doen? Waarop ik dan heel laconiek antwoorde dat ik het gras aan het afdoen was. Meestal krijg je dan een glimlach en volgt er een geanimeerd gesprek, maar sommige kunnen dat niet waarderen en stappen dadelijk verder. Je ziet nu duidelijk dat ik weer gekozen heb voor een redelijk gedetailleerde tekening omdat ik vind dat je bij aquarel (en ook bij andere mediums) zoals ik ze wil maken ,moet vertrekken van een goede basis. Want als je nadenkt is het eigenlijk bij alles zo dat je een goede basis moet hebben. Want als je een huis gaat bouwen en je fundamenten deugen niet dan zal je huis ook niet zo lang stand houden. Voor mijn volgende bespreking zal ik laten zien wat ik als eerste ben beginnen op te zetten en waarom ik dat gedaan heb. foto 0028
Mixed-Media: kunstenaars zien het Maasland: Kasteel te Rekem: Voorwoord
Vandaag ga ik beginnen met een schilderij uit een reeks schilderijen die ik gemaakt heb deze zomer. Alle schilderijen zijn opgezet ter plaatse of door middel van ter plaatse gemaakte schetsen en studies. Vervolgens heb ik deze voorstudies en schetsen uitgewerkt in mijn atelier. Het was door een oproep van Députe Sleypen (van Limburgse Députatie) die gericht was aan al de Limburgse Kunstenaars aangesloten bij de Koninklijke Limburgse Federatie van Beeldende Kunsten dat ik begonnen ben met dit thema. Ook ik heb aan deze oproep gehoor gegeven en heb een vier tal schilderijen gemaakt van het Maasland of beter gezegd van de stadjes en dorpjes die aan de Maas liggen. Zelf had ik gekozen voor een aantal schilderijen te maken van en rond Rekem. Gezien er nogal wat mooie plekjes en interessante gebouwen zijn in Rekem (trouwens Rekem is deze zomer verkozen tot mooiste dorp van Vlaanderen) en ik afkomstig ben van het buurdorp Neerharen leek me dat een goede en herkenbare en mooie keuze. Ook wil ik hierbij even uitleggen wat ik bedoel met het in de titel gebruikte woord Mixed-Media. Daar ik de laatste tijd redelijk veel aquarellen gemaakt heb en omdat ik nog altijd heel veel hou van werken met pastel wilde ik iets nieuws gaan proberen. Enerzijds omdat het nieuwe weer een mooie uitdaging zou betekenen maar anderzijds sprak het me ook aan om een aantal nieuwe dingen uit te proberen. Zo leek het mij een uitstekend idee om het ene en het andere medium met elkaar verbinden en samen te verwerken in een kunstwerk. Omdat je voor dit soort werken geen echte naam kan vinden( denk aan aquarel-pastel of aquarel-akryl-pastel of dergelijke nonsens meer) heb ik gekozen om dit soort werk (dat gemaakt is met verschillende mediums) de naam Mixed-Media te geven. Het is mijn bedoeling om de bester eigenschappen van de verschillende materialen met elkaar samen te brengen en alzo te komen tot een voor mij goed werk. Ook heb ik me tot doel gesteld om in 2009 mee te doen aan de Limburgse Aquarel wedstrijd en om daar geen slecht figuur te slaan dien ik daarvoor nog een aantal aquarellen maken. Door de aquareltechniek te combineren met een aantal andere technieken kan ik mezelf verder bekwamen in het aquarelleren. Maar een bijkomende doel is ook dat ik me niet slaafs wil gaan vastpinnen aan het één of ander medium. Mijn slogan voor de volgende jaren, wat althans de kunst betreft, is dat ik alles ga doen om zo een goed mogelijk resultaat te behalen. Je zou haast kunnen zeggen " het doel heiligd de middelen". Ddat wil voor mij dan ook zeggen dat ik me alle middelen ga veroorloven, (zij die ik ken of zij die die ik nog moet leren kennen), om een zo goed mogelijk resultaat te verkrijgen. En in die optiek is dan het idee ontstaan om te werken met de verschillende mediums die ik ken en die je goed kan samen gebruiken. De schilderijen die ik gemaakt heb in het kader van "Kunstenaars zien het Maasland" zij de eerste schilderijen en het is ook het eerste thema dat ik met deze instelling aangevat heb. Of ze goed zijn zal later wel blijken, maar zelf ben ik er op dit moment van overtuigd dat ik nu al een aantal goede schilderijen gemaakt heb. Waarvan ik hoop dat ze, naarmate de tijd verstrijkt en ik de verschilllende media beter onder de knie krijg, nog beter zullen worden. Want het is normaal dat je in het begin van zo'n proces nog heel veel leergeld dient te betalen door onvoldoende kennis van de manier hoe de verschillende materialen zich samen op één ondergrond gaan gedragen en of reageren. Tot slot wil ik u een voorproefje geven van het eerste schilderij dat ik in deze reeks maakte. Op de bijgeplaatste foto zie je het kasteel van Rekem gezien vanuit het Poortgebouw. Mijn volgende bespreking zal dan ook handelen hoe ik dit schilderij heb opgezet en afgewerkt.
Ik ga nu het laatste deeltje van deze aquarel beschrijven. Eigenlijk is er niet zoveel meer te vertellen over het verder afwerken van dit werkje. Je moet als je met dit soort aquarellen begint de basisregels voor aquarel en van de kleurenleer blijven volgen. In dit geval blijf ik natuurlijk de twee tinten koud en warm gebruiken. Om de warme kleuren van de tulpen redelijk wat tegengas te geven heb ik een blauwe kleur in de bladeren gebruikt. Maar deze kleur (winsor blauw met groene schaduw) geeft in haar benaming al een eerste aanzet waarom ik deze kleur gebruik heb. Als je er dan ook nog voor zorgt dat je de lagen die je aanbrengt zo transparant mogelijk maakt dan kom je al een heel stuk in de goede richting. Natuurlijk is het niet zo eenvoudig als dat ik het hier neerschrijf. In de eerste plaats moet je er al zeker voor zorgen dat je de tint die je wil hebben al van in het begin zo goed mogelijk tracht te benaderen. Dat wil dan ook zeggen dat je niet de verf uit de tube zo maar kunt gebruiken. Je moet er in de eerste plaats voor zorgen dat je de verf met de juiste hoeveelheid water aanlengt zodat je mengsel een goede mix wordt van verf en water en dat je mengsel die tint die je voor ogen hebt practisch van de eerste keer juist benadert.Als je naar de foto die bij de vorige beschrijving staat bekijkt dan zie je dat de eerste laag van de bladeren zeer transparant is opgezet . Als je nu op de hierbij geplaatste foto kijkt dan zie je dat de kleur hetzelfde is gebleven. Maar er is één groot verschil de kleur zelf is dieper geworden. Dat wil zeggen dat ik meer verf gebruikt heb voor het mengsel. Ik heb maar één laag extra geplaatst over de eerste laag (bij de bladeren) en het resultaat zie je op de bijgeplaatste foto. De bladeren zijn transparant gebleven maar hebben toch een mooie blauw-groene tint gekregen. En dat is net wat ik wilde. Voor de bloemen zelf heb ik iets dekkender geschildert omdat ik wilde dat ze een tegengewicht gaven aan de bladeren. Tot slot wil ik nog opmerken dat één van de basisregels bij aquarelleren zegt dat je redelijk veel wit moet laten in een aquarel. Ik ben het daarmee eens maar het moet wel passen in je werkstuk. Ik heb het hier toegepast in een paar bloemen maar vond dat het wit te hard was en heb dan die kleurvlakken die in eerste instantie heel wit waren een zeer dunne wassing gegeven waardoor deze stukken beter aansloten bij het geheel. De volgende bespreking zal handelen over een schilderj dat ik maakte ter gelegenheid van een kunstmarkt die deze zomer doorging met als thema " Limburgse Schilders zien het Maasland".
Ik ga vandaag een paar woorden schrijven over het verder afwerken van dit aquarelletje. Het is een werkje dat niet zoo groot is maar dat maakt niet zoveel uit. Het is niet de kwantiteit die van belang is maar wel de kwaliteit zeg ik altijd maar. Als je op de foto kijkt dan zie je dat ik begonnen ben met een aantal kleuren op te zetten die warm en koud zijn. De rode hebben een warme uitstraling en de blauwe zijn eerder aan de koude kant. Door nu te werken met deze twee kleuren wil ik even laten zien hoe deze twee kleuren en hun afgeleide kleuren, mekaar zodanig beïnvloeden dat ze niet enkel hun eigen kenmerk uitstralen maar dat ze mekander zo gaan beïnvloeden dat ze samen een mooie harmonie gaan vormen en daardoor zeer goed samengaan. Het gaat in dit geval niet over het schilderij in zijn geheel (maar toch wil ik een goed schilderijtje afleveren) maar eerder over de uitstraling van een werk door het gebruik van een minimum aantal kleuren. En dat kun je nu reeds goed zien, in deze opzet. Voor de bladeren ben ik begonnen met een blauwe kleur. Je weet net zo goed als ik dat de bladeren van tulpen groen zijn maar toch zal je zien, als het schilderij af, is dat deze blauwe bladeren niet onnatuurlijk gaan overkomen; Het blauw dat ik in de bladeren gebruik wordt op een zodanige manier door het rood en het paars van de bloemen beïnvloed dat je het hele kleurgebruik natuurlijk gaat vinden. Ook kan je zien dat ik in de bloemen zelf al een redelijke opzet gedaan heb en de verschillende bloemen al van een kleur heb voorzien. Ook hier geldt weer dat zowel het blauw en rood samengaan tot een paars dat bij deze bloemen gaat horen. Want het is zelfs zo dat wanneer je blauw en rood naast elkaar opzet en wanneer je een tijdje naar deze twee kleuren kijkt (ingespannen kijken) en wanneer je, je ogen sluit, een paarse kleur gaat zien. Dat is dan wat we noemen die optische menging van kleuren. Dus wanneer je dan blauw en rood naast mekaar gaat zetten in een schilderij , krijgt de toeschouwer, een gevoel van een zeer goed aanvoelende kleur. En dat is natuurlijk juist wat we als schilder willen bereiken. Waarom neem ik nu deze tulpen als voorbeeld om die optische kleurmenging uit te leggen. Wel dat heeft een zeer eenvoudige reden: enerzijds zie je goed hoe die kleuren mekaar versterken in een mooi voorbeeldje. Anderzijds kan je ook zien dat je soms de werkelijkheid kan manipuleren, denk hierbij aan de blauwe bladeren, zonder dat men dat gaat merken, als men het schilderij bekijkt. Op mijn volgende bespreking zal je al het totale beeld van het schilderij kunnen bekijken. foto8
Vanaf vandaag begin ik weer met de beschrijving van een nieuw schilderij. Het gaat om een bloemenaquarel die ik gemaakt heb deze zomer. Op de bijgeplaatste foto kan je zien dat ik de verschillende bloemen (tulpen) vrijstaand heb afgebeeld. Ik heb de tulpen los van elkaar afgebeeld omdat ik vond dat ze op deze manier vrij goed tot hun recht komen. Als je de bloemen bekijkt dan zie je dat zij zeer rank en hoog op de steel geplaatst zijn. Door ze op de manier af te beelden zoals ik het nu gedaan heb lijken ze nog ranker en slanker dan ze al zijn. Ze krijgen hierdoor iets majestueus over zich en lijken te zeggen zie je hoe slank en mooi ik ben. En eigenlijk is dat ook zo. Meestal als we naar tulpen kijken staan die in een grote vaas en zien we maar een stukje van de steel en de bloem. Maar als ik de tulpen in een vaas zet dan neem ik in de eerste plaats een glazen en doorschijnende vaas waardoor je de stelen ook nog kan zien. Dit heeft tot gevolg dat de tulp veel langer en groter gaat lijken en daardoor kan pronken met haar mooie slanke silhouet en daardoor nog mooier gaat overkomen dan ze al is. Met deze wetenschap in mijn achterhoofd heb ik gekozen om deze tulpen af te beelden op de manier zoals ze nu getekend zijn. Een zeer mooie bloem op een lange en ranke steel vergezeld van enkele van die zeer mooie slanke bladeren.
Zoals afgesproken in de vorige bespreking ga ik vandaag nog een laatste foto plaatsen van het schilderij zoals het ingelijst is en zoals het een plaats gekregen heeft in de living. Ik heb het kunnen ophangen op een plaats waar ik vond dat het zeer goed tot zijn recht komt. Op de bijgeplaatse foto kan je het schilderij zien.
Vandaag ga ik verder met het afwerken van dit schilderij. Ik ga vandaag het laatste stukje schrijven over dit schilderij. Op de bijgeplaatste foto kan je goed zien dat ik alle elementen die onderdeel zijn van het schilderij nogmaals verder ben gaan bijwerken.Je kan duidelijk zien dat ik het kleed nogmaals bewerkt heb en dat ik er nu voor gezorgd heb dat er een grotere eenheid in het kleurenpatroon is gekomen. De verschillende onderdelen van het kleed die op een verschillende manier belicht worden, heb ik zo bewerkt, dat ze zeer goed weergeven waar er licht en schaduw valt. Ook kan je de donkere schaduw achter en opzij van het kleed nu zeer mooi onderscheiden. In het schilderij is deze schaduw van grote waarde omdat hij ervoor zorgt dat het kleed (maar ook de stoel) loskomt van de achtergrond. De kleuren van de stoel heb ik ook verder uitgewerkt en die zorgen er voor dat het geheel niet al te saai en te eentonig zou overkomen bij de toeschouwers. Het is natuurlijk altijd een open vraag wat de toeshouwers van zulk werk vinden. In dit geval zijn het heel alledaagse dingen die ik samgebracht het tot een niet alledaags onderwerp dat ik schilderde op een zeer revolutionaire ondergrond. Daarbij komt dan nog dat ook de afmetingen van het schilderij van die aard zijn dat het werk in zijn geheel redelijk speciaal overkomt. Zelf ben ik redelijk tevreden over het werk om volgende redenen: In de eerste plaats omdat ik nog nooit met pastel op doek had gewerkt en dat dit het eerste werk is dat ik op deze manier gemaakt heb. Als je dan aan zo'n werk begint en je maakt dan een schilderij van deze afmetingen dan houdt dat altijd een zeker risico in. Zelfs als je op je gewone manier kan werken dan heeft een schilderij van deze afmetingen een tamelijk grote inpact op je kunnen en moet je alles uit de kast halen om niet in overdrive te gaan. Ten tweede ben ik tevreden omdat het samengestelde onderwerp dat niet zo alledaags is, toch realistisch heb weten weer te geven. Je kan dan wel zeggen dat je gewoon bent om alles realistisch weer te geven maar ook hier speelt het onbekende je weer parten. Ten derde komt er dan nog bij dat ik mijn techniek die ik meestal gebruik bij het werken met pastel in dit geval praktisch niet kon toepassen. Want door het experimenteren en het zoeken naar een geschikte grondlaag heb ik heel veel dingen heb moeten uitzoeken en moeten ondervinden. En dat deze nieuwigheden tot een goed resultaat hebben geleid verblijdt me enorm. Want door dit schilderij te maken heb ik weer enkele nieuwe manieren om met pastel om te werken ontdekt. Dat dit niet altijd even gemakkelijk is geweest en dat ik verschillende keren de moed dreigde te verliezen heeft nu dat het eindresultaat mag gezien worden geen enkele beteknis meer. Ik kan zelfs zeggen dat ik hier een van de schilderijen gemaakt heb die me zeer veel voldoening hebben gegeven. Ten slotte ben ik zeer tevreden met het kleur gebruik. Ik wilde een schilderij maken dat zou aanspreken door zijn eenvoud van onderwerp maar ook door zijn eenvoud van kleur. En ook dat vind ik dat geslaagd is. Want op zeker moment dreigde de achtergrond de bovenhand te krijgen en al de rest van het schilderij te verdringen maar gelukkig heb ik dat kunnen wegwerken. Enkel en alleen door de stoel iets duidelijker in kleur te zetten. Voor mijn aller laatste bespreking over dit schilderij wil ik het schilderij de volgende keer tonen hoe het ingekaderd is en hoe het zijn plaats heeft gekregen thuis in de living.
Vandaag ben ik aan een nieuwe fase in het schilderij begonnen. Waarom net vandaag zul je, je misschien wel afvragen, maar de reden is zeer eenvoudig, op dit moment hebben alle elementen van het schilderij een eerste kleur gekregen en heb ik een goed overzicht hoe het schilderij er gaat uitzien als het klaar is. Aan de hand van de bijgeplaatste foto kan je duidelijk zien dat ik een stukje verder opgeschoten ben in het schilderij. In de eerste plaats is het nu belangrijk dat je de verschillende elementen met elkaar verder in verrbinding brengt. Ik heb me dan ook volop geconcentreerd op de stoel. Je kan duidelijk zien dat ik de kleuren verder heb uitgewerkt en opgehaald waardoor de stoel als volwaardig object op het schilderij gaat staan. Door goed te letten en door er voor te zorgen om een duidelijk onderscheid te maken tussen de delen waar het licht vol op valt en de delen die meer of helemaal in de schaduw liggen krijgt de stoel als het ware een driedimensionale vorm. Hij komt los uit de achtergrond en het is dat effect dat een realistische schilder in de eerste plaats nastreeft. Hij of zij zoekt om de verschillende elementen van zijn schilderij zo natuurgetouw uit te beelden maar ook om de elementen die los van mekaar staan een zekere binding te geven op het doek. De verbinding die ik in dit geval nastreef is tweedelig; één is om de kleuren goed op elkaar af te stemmen en de tweede en die is zeker even belangrijk als de eerste, is om de compositie zo te bepalen en te schilderen dat er een eenheid ontstaat. In dit doek heb ik er voor gekozen om een diagonale verbinding tussen de verschillende elementen tot stand te brengen. Waarom diagonaal kan je je afvragen? Wel dit is evenveel toeval als doordachtheid. Ik wil hiermee zeggen dat je al van bij het begin je begint af te vragen wat gaat goed bij elkaar en hoe ga ik die verschillende onderdelen met elkaar verbinden. In mijn geval had ik een lang kleed en een stoel en het was nu net zolang zoeken tot ik een goede opstelling vond. En wanneer ik alles begon te verzetten kwam ik steeds in meer of mindere mate tot dezelfde opstelling. Namelijk een hoge stand voor het kleed en de stoel daaronder als aanvulling van de schuine as die steeds opnieuw ontstond. Als ik nu alles bekijk dan zie ik dat het redelijk goed oogt en dat ik nu echt aan de afwerking van het schilderij kan gaan beginnen. De volgende bespreking zal dan ook gaan handelen over het verder afwerken van het schilderij en hoe ik er voor zorg dat het schilderij niet te druk of te overladen overkomt.
Vandaag ga ik weer iets verder met het beschrijven van de werkwijze rond dit schilderij. In de vorige besprekingen heb ik beschreven wat je allemaal moet doen om de eerste opzet te maken maar ook heb ik al een gedeelte van de werkwijze om het kleed te maken beschreven. Vandaag wil ik iets meer zeggen over hoe je de verschillende onderdelen van een schilderij op elkaar afstemt. Als we dit schilderij als voorbeeld nemen dan zie je dat er twee elementen (kleed en stoel) het onderwerp van het schilderij uitmaken. Maar ook de achtergrond heb ik een voorname rol in het geheel willen geven. Natuurlijk bepaal je op voorhand datgene wat je wil maar het is goed om je steeds te herinneren (met dit soort werk) waar je naar toe wil. In eerste instantie heb ik nu geprobeert om de stoel verder uit te werken en tegelijkertijd hem af te stemmen op de rest van het schilderij. Dat betekend dat je een aantal kleuren van de overige elementen laat terugkomen of dat je net het tegenovergestelde doet namelijk een aantal onderdelen in kleur overdrijven. Ik heb gekozen voor alles redelijk goed op elkaar af te stemmen en om een paar kleine details in het oog te laten springen. Eén onderdeel wat voorlopig al in het oog sprong was de kleine kapstok (fel rood). Ik heb nu besloten dat deze kleur toch wat te hevig is voor het hele schilderij en heb dan ook de rode kleur wat afgezwakt door iets meer naar het roodbruine te werken. En de kleur gebrande sienna (wat eigenlijk een aardekleur is) leek me daar geschikt voor. En ik moet zeggen dat dit deeltje van het schilderij nu veel beter overkomt dan de vorige kleur. Ik heb wel besloten om de kleuren van de stoel iets heviger te maken dan dat ze in werkelijkheid zijn. Ik doe dit omdat anders het evenwicht uit het schilderij zal verdwijnen. Als je nu goed kijkt dan zie je dat ik een diagonale opstelling gemaakt heb van het geheel. Je kan namelijk een perfecte diagonaal van rechtsonder naar linksboven trekken waarbij je de twee elementen volledig met elkaar verbindt. Ook dit is een belangrijk iets omdat je hierdoor een evenwicht in je schilderij kan bereiken dat voor de nodige rust zal zorgen bij het verder uitwerken van het schilderij. Als je tenslotte naar de stoel kijkt dan zie je dat ik ook hier een eerste kleurlaag aangebracht heb. Je ziet ook dat ik de lichtblauwe kleur onderbroken heb door een aantal rode vlekken. Deze vlekken (waar de kleur afgeschilferd is) maak ik van de zelfde intensiteit en kleur als de kapstok. Ook hiermee bereik je weer een evenwicht en leid je het oog van de toeschouwer van linksonder naar rechtsboven. Je kan nu duidelijk zien waarom bepaalde delen van een schilderij zo belangrijk zijn voor het eindresultaat. want door deze twee rode stukken verbindt je niet alleen de beide onderdelen maar creëer je ook een eenheid in je werk. En je mag van mij aannemen dat deze twee onderdelen zeer belangrijk zijn bij het maken van een schilderij. De volgende bespreking zal handelen over het verder afwerken van de verschillende elementen van het schilderj.
Vandaag ga ik iets verder met de uitleg over dit schilderij. Het is een hele tijd geleden dat ik nog iets nieuws geschreven heb maar dat heeft zo zijn redenen. Op de bijgeplaatste foto kan je goed zien dat ik het kleed verder heb uitgewerkt en dat ik een aanvang gemaakt heb met de stoel. Wat het meest opvalt op dit moment is natuurlijk de rode kapstok waar het kleed aan ophangt. Of ik deze kleur ga behouden dat weet ik nog niet want ze lijkt me in eerste opzicht een beetje te fluoriserend. Maar ik zal wel zien wat ik doe met dit onderdeel als het schilderij nog wat verder gevorderd is. Op dit moment lijkt het me wat overdreven en trekt het de aandacht misschien wat veel naar zich en naar het kleed toe. Als je kijkt naar het kleed dan zie je dat ik door de werkwijze die ik vorige keer heb besproken het kleed verder heb uitgewerkt. Je kan duidelijk zien dat ik verder gegaan ben met arceringen te zetten en op deze manier de licht en donker tinten verder uitgebouwd heb. Natuurlijk is dit onderdeel nog niet helemaal zoals het zijn moet maar op dit moment en in deze fase van het schilderij ga ik het zo even laten zijn. Als je dan naar de stoel kijkt dan zie je dat ik hier een begin gemaakt heb met het kleur aanbrengen. Ik ben begonnen met een heel lichtblauwe kleur te zetten op de delen van de rugleunig die volledig in het licht liggen. Ook heb ik een bruinrode (gebrande sienna) aangebracht op die delen in de leunig waar ik een onderscheid wil maken tussen de geverfde delen en de delen die reeds geleden hebben onder het gebruik.Tegelijkertijd heb ik ervoor gezorgd dat de stoel los kwam van zijn achtergrond door een eerste aanzet van schaduw te maken op deze achtergrond. Ik heb hiervoor een donker grijze kleur genomen waardoor deze schaduw niet zo zwaar overkomt. Het is natuurlijk zo dat wanneer ik deze schaduwpartij zeer donker maak deze schaduwpartij het geheel zou beheersen en dat wil ik op dit moment zeker niet. Indien het nodig zou zijn kan ik deze partij nog altijd aanpassen. Waar ik zeker opgelet heb, is dat ik voor de schaduw geen zwart gebruikt heb. Want als je naar het beeld zou kunnen kijken waarnaar ik schilder en wat zich in werkelijkheid aftekend, dan lijkt het of de schaduw zwart is. En dat is gevaarlijk, want veel beginnende kunstenaars gaan dan over tot het gebruiken van zwart en dat kan zeer nefaste gevolgen hebben voor het schilderij. Want door puur zwart te gebruiken gaat het schilderij er zeer zwaar uitzien en dat wil ik zeker niet. Dus als tip zou ik zeggen zeker geen zwart uit de tube of in mijn geval zwart pastelkrijt gebruiken in de schaduw. Ook kan je zien dat ik de schaduwpartij van de rechterzijkant van een stoelpoot zelf al zeer donker (zelfde kleur als de kleur die ik gebruikte in de achtergrond schaduw) heb opgezet. Ik heb dit gedaan alvorens de stoel helemaal af te werken omdat ik dan, al in dit stadium kan zien of ik deze kleur kan gebruiken in de schaduwpartijen van de stoel. Wanneer ik langer zou wachten om een eerste aanduiding van deze kleur op te zetten dan kan het zijn dat ik een gedeelte van de stoel opnieuw moet gaan inkleuren omdat de schaduwpartij dan te overheersend zou zijn. Dus ook hier weer een kleine tip probeer steeds van in het begin de contrasten in je schilderij mee te schilderen zo kom je niet voor verrassingen te staan in een later stadium en ga je niet je tijd verprutsen aan onbenulligheden en overbodige zaken. De volgende bespreking zal opnieuw handelen over het verder afwerken van de stoel en hoe ik de twee belangrijkste elementen op elkaar afstem om een zekere eenheid in het schilderij te bekomen. foto 26
Vandaag ga ik weer wat meer vertellen over dit schilderij. Als je op de foto kijkt dan zie je dat ik het kleed op dit moment practisch helemaal heb uitgewerkt. Ik heb deze foto geplaatst omdat er goed te zien is hoe ik gewerkt heb met het pastel op het doek. In de vorige bespreking heb ik al uitgelegd dat ik met harde pastels het kleed bewerkt heb. Je ziet nu ook heel duidelijk dat ik gewerkt heb met arceringen om het licht en schaduwspel op het kleed weer te geven. Op deze manier krijg je dan ook een zicht op de plooien die er in het kleed zijn tengevolge van het hangen aan een kapstok. Natuurlijk lijkt dit allemaal niet meer dan normaal maar je kan er ook van uitgaan dat je door licht en donker te schilderen je plooien kan mee weergeven. Je kan dit alles bijzonder goed zien op de mouw van het kleed. Hier zie je dat door de juiste toonwaarde te gebruiken maar ook door de juiste arcering uit te voeren je een duidelijk zicht heb op bolling en dal. Het is niet altijd even evident om alles in eéén oogopslag te vatten. Als je naar een voorwerp kijkt dan wordt je snel afgeleid door het grote aantal onderdelen waar je naar kijkt. Daarom is het goed dat je het te schilderen voorwerp kan terug brengen naar zijn elementaier vormen. Om zover te komen kijk ik meestal door mijn wimpers. Hierdoor gaat de algemene vorm op zich wel iets vervagen maar je gaat veel duidelijker de licht en donker vlekken zien die er in het te schilderen object aanwezig zijn. Je kan zeggen dat alles tot zijn basiswaarden en vormen herleid wordt. Wanneer je dit zelf eens wil uitproberen moet je maar eens een handdoek of gelijk welk ander voorwerp met een lichtbron belichten en dan doe je jouw ogen maar eens zover dicht, dat je nog juist door je wimpers kunt kijken dan zal je zien dat je veel beter onderscheid gaat maken tussen licht en donker. En dit is ook weer normaal omdat je een aantal elementen die je hersenen moeten verwerken veel minder worden. Ook het object dat je bekijkt vervaagt waardoor er geen handdoek meer voor je ligt maar enkel iets met donkere en lichte vlekken. Ik bedoel hiermee dat je veel duidelijker de licht en donkere vlekken zult zien waaruit je onderwerp bestaat en wanneer je juist die vlekken gaat tekenen je onderwerp als vanzelf te voorschijn komt.. Je brengt namelijk alles terug naar zijn elementaire vormen. De volgende keer zal ik weer wat verder gaan met mijn uitleg rond dit schilderij.
Ik ben op zoek naar foto's van mooie gevels. Ik bedoel hiermee dat het foto's moeten zijn die oude gevels voorstellen die de moeite zijn om te schilderen. Het mogen ook onderdelen zijn van gevels zoals deuren en vensters. Waarom vraag ik dit? Ik ben bezig om een reeks aquarellen te maken die het vergankelijke en toch het mooie weergeven. Ik heb altijd gehouden van oude gebouwen en steegjes of zichten waar leven inzat. Ik bedoel hiermee als je naar een oud huis of naar een mooie gevel kijkt dan kan je heerlijk wegdromen en denken wat er allemaal gebeurd is vanaf het begin dat dit gebouw of deze straat er was. Je kan je allerhande voorstellingen maken van wie en wat er gewoond heeft in deze huizen en straten. Zo zijn er zeker bezoekers van mijn blog die wel ergens wat foto's hebben die de moeite zijn om te schilderen. Ik denk ook aan degene die al het geluk gehad hebben om bijvoorbeeld in Venetië rond te dwalen en daar foto's van hebben. Dus mijn vraag is zeer eenvoudig indien iemand beschikt over foto's of een site weet waar er mooie oude gebouwen te vinden zijn dan mag en kan hij/zij die site of foto's aan mij doorgeven. Zodat ik mijn reeks aquarellen , 24 stuks moeten het er minimum worden, kan afmaken. Natuurlijk zal ik op mijn blog deze werken bespreken en ook meedelen wie mij de tip of de foto aan de hand gedaan heeft. Op de bijgeplaatste foto zie je bv een deur uit een gebouw in Honduras. Prachtig toch die textuur en kleuren.
Ik ben Pierre Vanstipelen, en gebruik soms ook wel de schuilnaam Priet.
Vandaag weer enkele woorden over dit schilderij. Zoals ik de vorige keer geschreven heb is dit schilderij een toepassing van verschillende mediums op één drager. Op de bijgaande foto kan je duidelijk onderscheid maken waar ik met de kaars het papier afgedekt heb. Je ziet ook heel duidelijk dat deze manier van afdekken niet alleen de kleur tegen houdt maar ook een mooie aanvulling van wit geeft in het schilderij. De letters die op de platen wand zijn gekalkt zijn goed te onderscheiden maar tevens zijn ze niet zo wit dat je zou denken dat ze nu pas geschilderd zijn. Neen de bedoeling was om alles een verweerd uitzicht te geven en dat lijkt mij althans vrij goed gelukt.
Vandaag ga ik nog wat meer uitleg geven over dit schilderijtje. Ik spreek over een schilderijtje omdat het niet zo heel groot van afmeting is. Het eindresultaat is 60x50 cm en dat is een heel mooi formaat om ergens op te hangen. Je kan duidelijk op de foto zien dat ik een heel stuk verder ben gevorderd met dit werkje dan in de vorige fase. Normaal zou ik nog een tussenfase kunnen bespreken maar gezien ik al een tijdje niets meer geschreven heb ga ik verder op deze stand van zaken. Als je even teruggaat naar de vorige foto dan kan je zien dat ik dit schilderij opgezet heb met aquarel. 
In het kader van het project "Kunstenaars zien het Maasland" heb ik nog een aantal andere schilderijen gemaakt. Het werk dat ik vanaf vandaag wil bespreken is een schuurtje of stalletje dat ik vond in de omgeving van Rekem. Het is namelijk zo dat Kotem een deelgemeente van Maasmechelen is en een buurgemeente van Rekem. Vermits wij de omgeving van Rekem als uitvalsbasis hadden gekozen om onze schilderijen te maken van het Maas landschap vond ik dit een heel mooi plaatje. Het stalletje was een zeer onopvallend stulpje, dat diende als zomerverblijfplaats voor de koeien in de desbetreffende wei. Zij konden daar gaan schuilen voor de regen en ander guur weer denk ik dan maar. Natuurlijk is dit schilderij weer zo gemaakt dat het een mooi beeld geeft van de eigenaardigheden of eenvoudige hulpmiddelen die je in de streek gaat aan treffen. Het meest opvallende waren voor mij de dakpannen. Het waren nog van die grote Maaslandse schotels waar vroeger de huizen en schuren mee bedekt waren. Ik ken nog boerderijen in onze streek die er de zijkanten van het dak (de spitsen zoals wij ze noemden) van de schuren mee dicht maakte. Maar goed ik ga proberen weer een overzicht te geven hoe dit schilderij tot stand is gekomen.
